 |
|
Annick Pegouret, peintures, continuité d'hier à aujourd'hui Les œuvres choisies par Annick Pegouret, pour cette exposition, s’articulent entre hier et aujourd’hui, l’intérieur et l’extérieur et ont pour fil directeur, la figure. Elle a choisi de montrer deux grandes peintures sur toile, figurant deux couples côte à côte, A cinq heures , et Face à nous , des peintures de plus petit format, sur papier, où elle fait se rencontrer deux ou trois personnages évoluant à l’intérieur ou à l’extérieur, près de la rive, des peintures de paysages sans figure, Mémoire d’eau et d’autres très récents paysages en feu. La diversité des oeuvres rend compte d’un parcours de création continu qui, laissant entrer la vie avec ce qu’elle connaît de contraintes, de ruptures et de nécessaires réaménagements, a évolué sans s’interrompre.
Depuis la fin des années quatre-vingts, Annick Pegouret poursuit un
travail de peinture sur la figure, gardant, quand cela est possible, le même modèle
pendant des mois ou des années. Ainsi, plusieurs
modèles se sont succédé dans son atelier, avec des présences plus fidèles qui se
reconnaissent au fil des œuvres, presque familières, par périodes. Les figures voisinent, saisies dans un coin
d’atelier. Que ce soit dans les grandes
peintures sur toile des années 95, ou
les plus petits formats commencés dans les années 2000, le dessin d’après modèle est
simplifié, pourtant attentif à être très juste, des détails du décor réel sont
évacués et parfois transformés pour les besoins de l’équilibre et de la
composition des œuvres.
Dans les grandes peintures
présentées ici, les personnages nous font face, il s’agit de deux couples, mais
ils sont volontairement montrés dans des
postures qui ne précisent pas l’intimité. Ils sont tournés vers le spectateur qu’ils incluent dans leur probable
relation. Ils n’ont pas l’un pour l’autre
les regards et attitudes des couples qui évoluent dans l’intimité, la légère distance
entre leurs corps maintient ou suggère des sensations, sans plus. La présence
du spectateur au-delà du « quatrième mur » de l’atelier est aussi la
place du peintre. Spectateur ou peintre ne sont pas ignorés du
couple, la communication se fait aussi avec cet autre non figuré, de l’autre
côté du miroir, de l’autre côté du tableau, c’est un espace où les sensations
circulent. Les bleus outremer et les bleus phtalo dialoguent avec le gris-noir
des vêtements et les tons chauds et chatoyants des murs et du tapis, l’atmosphère
est calme. On est dans la peinture, le modelé des corps et des matières, les plis
des vêtements, mais encore le rapport coloré.
Les bleus qui évoquent le ciel et la mer, les tons chauds, le sable, le
soleil, les carnations halées parlent de
la Méditerranée. Depuis l’intérieur de l’atelier, c’est l’ailleurs et l’autre que l’on voit.
|
 |
|
Dans les petites peintures, les couleurs sont placées après la pose
dans la recherche d’une harmonie colorée raffinée de tons chauds et froids, d’atmosphères
diurnes ou nocturnes permettant à la couleur de devenir langage. Les bleus très présents, sont une
réminiscence de l’eau. Que le bleu soit
un élément du décor ou qu’il habille une chemise, il tient lieu de présence
céleste diurne tel un morceau de ciel lumineux ; de même, le jaune éclatant, solaire, placé inopinément dans l’ombre d’une étagère
ou encore sur un vêtement. Dans
certaines peintures où le bleu et le jaune voisinent avec le noir d’un vêtement ou le
noir d’un mur de l’atelier, le peintre joue à composer des rencontres impossibles, créant des atmosphères
nocturnes dans lesquelles les couleurs du jour s’invitent, le soleil donnant, en quelque sorte, rendez-vous à la lune, comme le chantait Charles Trenet.
La référence à la peinture surréaliste surgirait si le terme Surréalisme n’était le plus souvent attribué à des rapprochements incongrus et fortuits, tel que le rêve et non la réalité
les favorise, ce qui n’est pas le cas dans le travail d’Annick Pegouret. Ici, le surréalisme tient à la relation au
réel, qui dépasse la mimésis, tout en s’appuyant
sur la rigueur d’une forme et la symbolique colorée. On pense alors aux
peintures du Quattrocento italien où la
simplification des formes annonçait la vision de l’homme moderne et humaniste
de la renaissance, plaçant l’homme ( la figure) au centre des préoccupations,
de la perception et de la représentation du monde. Cette dimension est essentielle dans l’œuvre d’Annick
Pegouret qui place la figure au centre de son travail.
Elle ne commande pas une pose à
ses modèles, elle les laisse évoluer et trouver l’équilibre que leur corps
habite, très naturellement. Ainsi ont-ils cette présence forte et apaisée d’un corps
qui ne se dérobe pas à ce qu’il est en cherchant La pose... Elle dit qu’elle a
plaisir à se saisir de la feuille vide et à composer à partir des
épures, à chercher comment disposer les
pleins dans le vide. Rarement les corps sont cadrés de manière
réaliste. Si elle travaille d’abord ses épures avec les gens
tels qu’ils sont, ses peintures ne sont pas réalistes dans la composition de l’espace et de la couleur.
L’humain est volontairement placé de manière à ce que dans les rapprochements,
apparaisse la complexité de chacun, le fait qu’il porte une culture, une
singularité, même dans le côtoiement de
l’autre. Rien n’est imposé, c’est l’art du suggéré. Pourtant la matière picturale est forte, de
par la présence d’une ligne claire affirmée et, toujours dans les petites peintures,
les aplats de couleurs. On pense à une
esthétique de la bande dessinée, en particulier aux auteurs américains
contemporains comme Chris Ware, Charles
Burns ou Joe Matt, dont la ligne, vigoureuse, tendue, tient debout des
personnages que l’on sent consistants dans leur chair. Mais le rapprochement restera au niveau de l’esthétique,
car Annick Pegouret ne s’aventure pas dans une narration séquencée, même si ses peintures
suggèrent beaucoup.
|
 |
| Depuis cinq ans environ, Annick Pégouret a, par la rencontre avec l’association Perspectives à laquelle elle collabore, cherché une expression qu’elle souhaitait plus contemporaine ce qui l’a conduite à faire disparaître la figure des peintures Mémoire d’eau. Ces peintures ne sont pas sans évoquer les grandes mers du sculpteur marseillais Georges Guye, à la différence de la taille et du matériau des œuvres respectives des artistes. On se tient devant les paysages de mer de Georges Guye comme on est devant la mer, pratiquement immergé dans le paysage d’eau. Les peintures d’Annick Pegouret sont comme des fenêtres à partir desquelles on contemple la mer, hublots de cabines, fenêtres ouvertes sur une mer peinte de mémoire, réminiscence des visions que l’artiste a de certains bords de la mer Méditerranée où elle a longtemps vécu ou parce qu’elle a fait des traversées en bateau qui l’ont marquée. |
 |
| . Le travail sur la mémoire, inspire de façon similaire les peintures du feu. L’été, le feu, et autres, sont des souvenirs de l’Estérel. La mémoire impose ses images de manière sensible et fascinatoire, permettant à l’artiste de les représenter ce qui n’est pas sans lien avec les peintures des figures dans l’atelier. |
 |
|
Les récentes peintures d’Annick Pegouret, comme celle intitulée Les femmes, le fleuve, arrivent à une
synthèse des peintures de paysages et des figures, combinant présence réelle du modèle croqué sur le vif et mémoire de
lieux, réunissant hier et aujourd’hui, intérieur et extérieur, témoignant la
synthèse à présent possible pour elle, de divers parcours, de divers moments de vie
qui ont correspondu à des nécessités de changer des choses, des ruptures qui ont
demandé de trouver de nouvelles solutions pour continuer avec les nouvelles
contraintes. Aujourd’hui, qu’Annick Pegouret
figure une réalité travaillée par
la mémoire et la vie.
|
